Todo Sobre El Piano 2024 – [La Mejor Descripción]

El piano es un instrumento icónico clásico e inconfundible, versátil y útil para casi cualquier estilo musical, desde el clásico piano de cola, hasta los modernos teclados y pianos digitales, nos proporcionan una gran variedad de posibilidades a la hora de componer y ejecutar música por lo cual el piano es uno de los instrumentos más recomendados para introducirte en este bello arte.

Gracias a las infinitas posibilidades expresivas y a la capacidad de producir muchas notas diferentes al mismo tiempo, el piano ha ganado un lugar de preeminencia entre todos los instrumentos musicales. El enorme número de composiciones para piano y el interés del compositor en él -que hoy sigue siendo grande- hacen de este instrumento uno de los protagonistas de la historia de la música.

¿Qué Es Un Piano?

El piano es un instrumento de cuerda de percusión martillo, que se manejan con las teclas. Las teclas son presionadas por los dedos del intérprete. En un piano moderno hay llaves blancas y llaves negras para un total de ochenta y ocho. Cada uno de ellos, cuando se toca, produce un sonido diferente porque la longitud de cada cuerda de vibración es diferente. Las cuerdas, estiradas sobre un marco de metal, se colocan dentro de un pecho con forma horizontal (el llamado piano de cola) o se pueden insertar en un pecho rectangular (el llamado piano vertical).

El mecanismo que transmite el movimiento clave al martillo, que golpea la cuerda a su vez, es bastante complejo y ha visto varios cambios a lo largo de los siglos. Lo que distingue al piano de muchos otros instrumentos de teclado es la capacidad de ajustar la intensidad del sonido a través de un toque más o menos decisivo y producir sonidos que van desde muy planos a muy fuertes, de este punto proviene el nombre del instrumento.

Entre las otras características, hay que tener en cuenta: el martillo, después de golpear la cuerda, vuelve a la posición de reposo incluso si el artista continúa manteniendo presionado el botón. Este sistema, que se conoce como dispositivo de escape, se refinó posteriormente de manera que sería posible reproducir la misma nota repetidas veces y rápidamente presionando la tecla correspondiente a esa nota.

Orígenes Del Piano

Entre 1698 y 1700 Padovano Bartolomeo Cristofori, fabricante y reparador de instrumentos de la Corte de los Médicis en Florencia, desarrolló una especie de clavicordio en el que la mecánica de la cuerda pinchada fue reemplazada por los isquiotibiales. Este fue el prototipo del piano, que Cristofori bautizó con el nombre de gravitar con el avión y con el fuerte.

Sin embargo, este instrumento no tuvo gran suerte, incluso porque no cumplió con el gusto de los músicos de la época. Después de varios intentos, unos veinticinco años más tarde, el alemán Gottfried Silbermann comenzó a construir instrumentos inspirados en los de Christopher y otros modelos siguientes: su instrumento, aunque disgustó a Bach, fue inmediatamente apreciado por Federico II de Prusia, que compró algunos especímenes, y así se popularizó. Esto llevó a la fundación de una fábrica de piano, que más tarde se hizo muy famoso. Fue el primero de una serie de compañías pianistas que surgieron en la segunda mitad del siglo XVIII.

Primeras Obras O Primeras Piezas Compuestas Para Piano

Entre 1770 y 1780 aparecieron las primeras piezas de música específicamente compuestas para el piano, las cuales comenzaron a suplantar el clavicordio con velocidad creciente. Justo en esos años los pedales fueron agregados al instrumento para aumentar o disminuir el sonido y la mecánica fue refinada.

Desde el principio del siglo XIX, el piano ganó dimensiones cada vez más impresionantes, mientras que en las casas de la burguesía se extendió el piano o el estudio vertical menos voluminoso.

Este es el período del gran virtuosismo de este instrumento, de conciertos públicos como espectáculos espectaculares, de compositores y pianistas románticos: Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann,Fryderyk Chopin y especialmente Franz Liszt, uno de los mejores talentos pianistas de su tiempo.

Para reforzar el sonido y permitir que el piano tocara con grandes orquestas, se utilizaron cuerdas más gruesas y aumentó la tensión. Por esta misma razón, alrededor de 1872, la compañía estadounidense Steinway patentó un marco de metal fundido en un solo bloque, mucho más robusto. Desde entonces, la construcción del instrumento no ha sufrido cambios mayores.

Tipos O Variedades De Piano

El piano cuenta con varias versiones o modelos dependiendo de las necesidades musicales de la obra o incluso de la epoca.

Horizontal

Más comúnmente conocido como piano de cola; este tipo de piano se llama, dependiendo de la longitud total, como el cuarto de cuartos, también llamado el codón(145-165 cm), media cola (170-190 cm), tres cuartos de cola (200-240 cm), cola grande (o cola grande, o cola de conciertos, más de 240 cm); producen, en orden ascendente, sonidos de mejor calidad, debido a la creciente amplitud de la caja armónica ya la mayor longitud de la cuerda, lo que significa menos armonía. Se utiliza principalmente para conciertos y actuaciones.

Muchos productores están haciendo pianos excepcionales (artcases): algunos son sólo decoraciones o cambios escenográficos de la corriente (pie trabajado, incrustación, pintura); para otros, se trata de modificaciones radicales, como en el caso de Pegasus de Schimmel, de M. Liminal, diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli o Bösendorfer Imperial por GriffaPianoforti.

Vertical

También conocido como piano, está dispuesto verticalmente, así como su tablero armónico y las cuerdas detrás del teclado. Su altura varía entre 100 y 155 centímetros, se utiliza principalmente para el estudio a diferencia de la horizontal que se utiliza específicamente para los conciertos. Las diferencias con el piano horizontal son muchas de la amplitud de la caja armónica, que es menor que la de un piano horizontal, y por la ausencia mecánica del escape doble.

Las cuerdas están dispuestas verticalmente (las pesadas y algunas medias están diagonalmente dispuestas opuestas, de ahí el término “cuerdas cruzadas”, este sistema utiliza la diagonal más larga de un rectángulo para obtener cadenas más largas) y cada nota corresponden al tipo de sonido, grupos de uno, dos o tres cuerdas.

A menudo se les proporciona un pedal colocado en el centro llamadosordina que sirve para interponer entre los martillos y las cuerdas un paño de fieltro que tonifica el sonido y lo hace más silencioso, empleándose primordialmente para no dar demasiados problemas a los vecinos. A lo largo de la historia, el piano vertical ha sufrido muchos cambios, también se crearon diferentes tipos.

Jirafa

Es el prototipo de piano vertical más antiguo, inventado entre el siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX, inventado en 1739 por Domenico Del Mela, originario de Mugello . Su mecánica está por encima del teclado, detrás del tablero. No está provisto de escape.

Pirámide

Fue construido en el siglo XVIII y se usó mucho en Viena. Es muy similar a un piano vertical, pero su caja armónica es piramidal.

Gabinete

En italiano significa armario, fue construido por primera vez en Inglaterra en la primera mitad del siglo XX. Los tobillos y muslos están en la parte superior, mientras que las cuerdas están cerca del piso. Este arreglo fue inventado tanto por John Isaac Hawkins (1772 – 1855) como por el vienés Matthias Müller (1770 hacia 1844) al mismo tiempo. Tiene la acción inglesa de la etiqueta engomada y la mecánica de la bayoneta.

Pianino

Fue inventado en París en 1815 por Ignaz Josef Pleyel y comercializado bajo el nombre de “pianino”, sin embargo, parte de la mecánica fue desarrollada por Robert Wornum(1780 – 1852) hacia 1810, aplicó un sistema transversal diagonal al piano vertical, de modo que no tuvieron que reducir su longitud a pesar del pequeño tamaño del instrumento; en 1826 él creó la bayoneta (acción de la cinta inglesa), que fue derivada de la acción inglesa de la etiqueta engomada.

Rectangular (o mesa)

La planta es rectangular; la tabla está a la derecha mientras el teclado está a la izquierda. El primer modelo fue hecho en 1766 por Johannes Zumpe(1726 – 1790) en Londres. Fue notablemente exitoso hacia finales de la segunda mitad del siglo XVIII, primero en Inglaterra y después en toda Europa, gracias al reducido tamaño ya bajo coste, así como al agradable sonido que produjo. Fue utilizado principalmente en el hogar, pero más tarde reemplazado por el modelo vertical.

Piano

Piano es un instrumento musical automático, sin tonos de tipo automático. El nombre del piano proviene de una marca de la Compañía Eólica en Nueva York. En Alemania, Hupfeld Company de Leipzig produjo un sistema similar, llamado Phonola. Los primeros pianos eran prototipos; no tenían sistema técnico en el teclado, pero tocaban con dedos de madera acolchados en un piano o piano de cola, posando delante de ellos.

Viajes

Es un modelo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVIII. Su mecánica es simple y sin escorrentía (Prellmechanik ). Es un instrumento portátil y no tiene soportes especiales, pero sólo maneja para el transporte, ya no se utiliza.

Nécessaire

Es esencialmente un mueble suficientemente pequeño con cajones y compartimientos, destinados al uso femenino, con un teclado interior. Se remonta al siglo XIX, pero ha caído en desuso.

Aguja Para Niños

Es una herramienta pequeña, hecha a medida para niños pequeños. La mecánica es muy simple y no tiene ningún soporte especial. Este modelo ya no se utiliza y por lo tanto ya no existe.

Árabe

El uso del piano en la cultura musical árabe no se contempla, a excepción de un breve período entre 1920 y 1940. La exclusión del instrumento en la música árabe fue determinada por la imposibilidad del piano para emitir los cuartos tono, un elemento fundamental de la música árabe. En los años antes mencionados, sin embargo, los pianos fueron capaces de producir tales sonidos; sólo después de un acalorado debate y fuerte resistencia, el piano fue recibido en orquestas en Egipto, el día después del Congreso de los músicos árabes de El Cairo en 1936.

Algunos pianos árabes han sido muy bien utilizados por varios compositores (ChaineAbdallah, Mohammed Elkourd, Mohamed Chaluf), mientras que otros han utilizado el piano de afinación occidental para crear composiciones árabes (Mohamed Abdelwahab).

Pianos Digitales Y Teclados Electrónicos

Desde finales del siglo XIX hasta la Segunda Guerra Mundial, gracias a la difusión de la electricidad y la electrónica, surgen nuevos instrumentos musicales electro acústico, desde tubos de vacío hasta dispositivos semiconductores- y la difusión de medios de radio y reproducción (gramófono, magnetófonos) abren una nueva fase. Compone música para radio y cinta magnética, genera sonido a través de osciladores o graba con gramofono y grabadoras y finalmente transforma en estudio con técnicas de montaje (collage, mezcla, transposición, reverberación).

Luego, los sintetizadores analógicos, los instrumentos configurables para la síntesis y el procesamiento de sonido, incluyendo Harald BodeMelochord, RCA Synthesizer Harry Olsen y Herbert Belar, y alrededor de los años sesenta los sintetizadores de Robert A. Moog y Donald Buchla.

Desde finales de los años cincuenta, la difusión de la electrónica digital ha marcado la transición de la música electrónica a la música por ordenador. Inicialmente se utiliza una calculadora electrónica para generar puntuaciones tradicionales según los patrones formales y estéticos definidos por el compositor-programador. Posteriormente, con el avance de las potencias informáticas, los sistemas numéricos reflexionarán sobre los dispositivos analógicos para la síntesis y el procesamiento del sonido.

Hoy es la era del software de música: las tecnologías musicales de computadoras han sido transferidas a programas de computación, sin referencia específica al soporte de materiales, adecuados para computadoras de uso general.

Los comienzos de la música de computadora

En la década de 1950, las calculadoras electrónicas disponibles no tenían potencia de cálculo suficiente para sintetizar o procesar el sonido en tiempo real. Su uso se limitó inicialmente a la producción de sonidos de procesamiento retardado, la supervisión de instrumentos electrónicos analógicos o incluso la generación de partituras tradicionales, de notas, a base de algoritmos.

Sistemas para la composición algorítmica

La generación de particiones informáticas introduce los algoritmos en la composición de las formas musicales, cuya concepción se convierte así en parte del pensamiento compositivo que desempeña un papel estilístico. Después del lenguaje de programación de MUSICOMP de LejarenHiller en 1962 apareció YannisXenakis ST.

Este último genera una puntuación basada en mecanismos aleatorios dentro de estructuras rítmicas y de entonación predefinidas siguiendo distribuciones estáticas asignadas, de acuerdo con una figura estética característica del compositor.

Dos años más tarde, en la Universidad de Utrecht, Holanda, Gottfried MichealKoenig desarrollará el Proyecto 1, una serie de notas y generadores de contrapunto de duración basados ​​en reglas estrictamente deterministas que se refieren a la escuela de serialismo integral (o estructuralismo). Más tarde, alrededor de 1972, Koenig se dirigirá SSP a la generación de sonido.

Los primeros sistemas de software para la generación y composición de sonido

Ya en 1957, Max Mathews intuyó el gran potencial de los sistemas numéricos para la generación de sonido. En Bell Laboratories, a lo largo de los años, desarrollará un lenguaje de programación para la generación de sonido diferido, MUSIC 1, escrito en Assembler en una computadora de válvulas y evolucionado a MUSIC V (escrito en FORTRAN IV), luego en MUSIC 360 (para sistemas IBM 360, 1969) y MUSIC 11 (para sistemas DEC PDP 11, 1973). Mathews inaugura así la música electrónica, la música electrónica en forma numérica.

La serie MUSIC puede ser considerada como la progenitora del c-sound , un lenguaje aún utilizado por muchos compositores para la generación de música diferida y, recientemente, incluso en tiempo real.

La gran atracción de la calculadora electrónica reside en la capacidad de almacenar algoritmos de generación de sonido en repositorios reutilizables, pero siempre editables (las llamadas bibliotecas) y concatenar cálculos a lo largo del tiempo como en una partitura, siguiendo reglas complejas. De esta manera, la computadora suprime las extravagantes e irreversibles etapas de montaje de las cintas de collage y la mezcla de numerosos y cortos fragmentos obtenidos de las elaboraciones analógicas, permitiendo revisiones y arrepentimientos.

En el decenio de 1960, el interés renovado por las actuaciones en vivo plantea la “cuestión en tiempo real” como un problema estético con las notables implicaciones tecnológicas. Un interés que conducirá al estudio de algoritmos específicos para el audio y la música, y la búsqueda de varias formas de superar los límites de velocidad de los primeros ordenadores electrónicos numéricos.

¿El final de una era?

“Desde hace algunos años la música electrónica se ha convertido en menos ruido, menos conversación y es raro encontrar músicos y editores que todavía están hablando del vocabulario futurista y optimista de los años cincuenta y asumirlo como un estandarte vanguardista o como un símbolo de liberación de la esclavitud de la academia instrumental. […] La música electrónica en cierto sentido ya no existe porque está en todas partes y forma parte del pensamiento musical cotidiano”.

Con estas palabras en 1976 el compositor Luciano Berio sancionó la madurez artística de la música electrónica y la introducción de la tecnología electrónica en el bagaje intelectual del compositor-artista contemporáneo.

Si miramos hacia atrás ahora, sin embargo, vemos que casi todo lo inventado en la música electrónica se remonta a esa etapa pionera. Lo que siguió fue, por una parte, una mera perfección de las aplicaciones de esas ideas y, por otra, su explotación comercial más o menos exitosa. Treinta años más tarde, la industria de los instrumentos musicales ha caído sobre sí misma y no parece ser capaz de comprender o estimular nuevas soluciones, disminuyendo el pensamiento musical artístico.

Hay un cierto aislamiento entre la investigación musical y el pensamiento: el primero intentado por la adulación de las primeras aplicaciones comerciales, en una lamentable relación utilitaria -a menudo sólo intentada- con la industria, el segundo es la difícil búsqueda de nuevos estímulos y nuevas relaciones con una ciencia y tecnología cada vez más sucumbieron a una corriente principal que deja poco espacio para las contribuciones originales.

No es difícil reconocer en estos rasgos un perfil común de nuestro tiempo, en el cual la perspectiva se ha contraído alrededor de un presente dominado por la búsqueda de resultados a corto plazo solamente.

El Teclado, Un Octavo Con Sus Alteraciones

El teclado es la parte del piano donde se encuentran las teclas. La base sobre la que se encuentra es a menudo en piceas. El instrumento generalmente tiene 88 teclas, 52 blancas y 36 negras, correspondientes a una extensión de siete octavas y una tercera menor y ordenadas en la sucesión clásica que interpola grupos de dos y tres teclas negras.

Esta sucesión le permite tocar las 12 notas de la escala cromática bajando, en el orden, 12 teclas del teclado. En algunos pianos (pocos modelos) el teclado se extiende 4 o incluso 9 botones más allá de los 88 normales, bajando. El punto central del teclado es un botón de hacer, pidió este “hacer central”.

Las teclas de piano más sofisticadas son a menudo en marfil y ébano, mientras que para los pianos comunes se utiliza generalmente la galaxia (una sustancia de la consistencia de la córnea, obtenida a partir de la caseína).

El punto de nota, desde el que se puede ejecutar la escalera más grande sin ninguna alteración, es la tecla blanca ubicada exactamente antes de cada sucesión de dos teclas negras. Típicamente, las teclas negras, en consideración al tono de la música a ser ejecutada, se llaman planas o diesis (más generalmente: alteraciones) dependiendo de si se refieren a la nota que las sigue o a lo que las precede. En cualquier caso, sin embargo, producen un sonido que es más bajo o más alto que un semitono (tono medio) que las teclas blancas contiguas.

Mecánica

Gavels, cuerdas, amortiguadores y piercings: la mecánica de un piano vertical

La mecánica es una de las partes fundamentales del piano, incluye un conjunto de herramientas y sistemas que permiten la producción de sonido con la acción del martillo sobre la cuerda bajando la llave. Lo siguiente se refiere a la mecánica “moderna” de los pianos sastre.

Cuando se pulsa una tecla de piano, el amortiguador se levanta para permitir que las cuerdas golpeadas por el martillo vibren, el stand se levanta, arrastrando el palo de escape con él, la fuga corre un rodillo de fieltro que está unido a la varilla de martillo que se levanta, por consiguiente; el soporte superior del trípode va hacia arriba hasta que su extremo toca la perilla de ajuste.

El martillo continúa su carrera golpeando las cuerdas y separándose de la barra de escape y del mismo soporte, el empujador también se eleva y permanece suspendido hasta que se suelta la llave.

Después de golpear la cuerda, con el botón bajado de nuevo, el martillo cae incluso si no completamente, de hecho; es detenido por el rodillo de la varilla de martillo que se encuentra en la parte superior de la base elevada. El escape vuelve entonces a su posición inicial, es decir, por debajo del eje del martillo parcialmente levantado.

Si la llave se libera sólo en modo parcial, el martillo se libera mientras se levanta el empujador. En este punto, si se presiona de nuevo el (que no ha sido liberado por completo), el escape es capaz de empujar hacia atrás el rodillo y el botóneje del martillo hacia arriba.

Este sistema se llama “doble escape” y le permite repetir rápidamente la misma nota sin el botón (y por lo tanto el martillo) volver a su posición inicial. Cuando se presiona el botón, se activa un montante que eleva el amortiguador de cuerda al botón presionado para que pueda vibrar libremente. Liberado por el botón, aproximadamente el 50% de su carrera, el amortiguador cae sobre la cuerda, bloqueando la vibración, y todas las partes de la mecánica vuelven a su posición original gracias a la fuerza de la gravedad.

Debe recordarse que “doble escape” es sólo una manera de decir, ya que teóricamente este mecanismo permite repetir el escape al infinito.

El piano vertical no tiene doble escape, por otra parte, no todas las partes de su mecánica vuelven a su posición inicial debido a la fuerza de la gravedad, porque las piezas se disponen verticalmente, por lo que se utilizan tiras de fieltro pequeñas para ayudar al mecanismo.

Pedales

Los pianos modernos pueden tener de dos a cuatro pedales, dependiendo del fabricante y el momento de la construcción. Se colocan en la parte inferior del instrumento y sirven para alterar el sonido del instrumento de diferentes maneras. Los pedales del piano son generalmente de latón. Se distinguen los siguientes tipos de pedales:

Resonancia o fuerte (normalmente derecha)

Símbolo utilizado en las puntuaciones para indicar el uso del pedal resonante.Este pedal, una vez accionado, al mismo tiempo eleva todos los amortiguadores, tipo de filamentos que tienen la tarea de detener la vibración de la cuerda inmediatamente después de la liberación del botón e impedir que la vibración sea simpática. Como resultado, al operar el pedal, las cuerdas siguen vibrando hasta que el sonido sale de curso.

El uso de este pedal ayuda a atar los sonidos y, posiblemente, para crear una especie de timbre y armónico solo causado por la vibración agradable de todas las cuerdas del instrumento junto con ésos realmente jugados.

Una cuerda (1 C) o un plano (normalmente a la izquierda)

Un pedal de este tipo, en los pianos de cola, se desplaza ligeramente todo el teclado y martillos hacia el lado derecho del ejecutante, de este modo; el martillo accionado presionando el botón afecta sólo a una o dos de las tres cuerdas que están asociados con cada tecla.

También es necesario considerar que los isquiotibiales están cubiertos con fieltros en los que las ranuras son formadas por los golpes repetidos con las cuerdas, funciona sobre la dureza del sonido suavizando el fieltro de martillo y, a continuación, puede aumentar o disminuir el efecto del pedal cuando el punto de contacto se desplaza cuando el pedal no se acciona.

La acción de balanceo del martillo hace que el fieltro de martillo agarre la cuerda en un punto distinto de las ranuras y luego hasta un punto en el que son más suaves. El efecto es producir un sonido más frágil, silencioso e íntimo, adecuado para crear ambientes sonoros particulares.

El mismo efecto (con un resultado mucho menos marcado) se logra en los pianos verticales acercando el martillo a las cuerdas, acortando así el camino que el martillo hace para alcanzar la cuerda.

Cuarto pedal (a la izquierda, sólo en algunos modelos de pianos hechos a medida)

Utiliza como constructores y patentado por Fazioli y Stuart &Sons, no es nada más que una transposición en la cola de los modelos de pedal plano de pianos verticales. De hecho, el mecanismo no hace más que llevar todo el martillo a las cuerdas, reduciendo el golpe y produciendo así un sonido de bajo volumen, sin cambiar el sello (como sucede con la cuerda).

Tonificado A Apoyado (Centro)

El pedal tonal está presente en los pianos de cola y debe ser accionado después de presionar una tecla o un grupo de teclas. Es básicamente un pedal resonante que actúa sólo para un grupo limitado de teclas, las pulsadas inmediatamente antes de la acción del pedal; otros no se verán afectados por su acción. También es conocido como el pedal Rendano por el nombre de su inventor, pianista y compositor Alfonso Rendano .

Sordina

La sordina (también presente en otros instrumentos) es un pedal que impulsa una palanca a través de la cual se interpone un paño de fieltro entre las cuerdas y el martillo junto con toda la extensión del instrumento. El sonido así obtenido es bastante aburrido, pero el efecto siendo útil para estudiar (con el único propósito de “no molestar a los vecinos”) nunca ha sido juzgado musicalmente agradable, de modo que casi ningún compositor lo ha explotado jamás.

Cuidado Y Mantenimiento Del Piano

El porcentaje de humedad es uno de los factores más críticos para el piano, demasiado húmedo puede deformar la madera bajo carga, mientras que demasiado seco puede crear grietas en las mismas piezas.

Una gran influencia también se ejerce por la temperatura ambiente y la posición que da al instrumento. La mejor temperatura oscila entre 15 y 19 ° C y cualquier cambio brusco de temperatura no encaja en el instrumento. Por ejemplo, en invierno, debe evitar de repente abrir ventanas o balcones en la habitación que alberga el piano y evitar dejarlo expuesto durante demasiado tiempo a bajas temperaturas. Incluso la acción directa de los rayos del sol es fatal para la pintura, las chapas, los bosques y las cuerdas.

El instrumento debe estar situado cerca de fuentes de calor (estufas, chimeneas, calentadores, etc.) o directamente expuestos a la radiación solar, la proximidad a una pared fuera del hogar puede causar daños. Las bodegas deben ser evitadas, si no ventilado.No debe haber descanso en los muebles (archivos de música, jarrones, ceniceros, botellas, vasos, etc.), o comprometer la pureza y la intensidad del sonido.

No limpie el interior del instrumento, especialmente con productos agresivos, o las maderas están seriamente dañadas. La limpieza se hace por un técnico, que decide si es necesario quitar la mecánica para una limpieza más profunda. Para la limpieza externa, debe utilizar productos específicos que protejan el brillo y el color de la superficie.

También se debe prestar atención a los insectos y ratones. Para los insectos, se pueden colocar dentro de bolsas repelentes, en caso de que haya un problema con los ratones, debe dejar de acceder al piano, como los agujeros del pedal, durante largos períodos de ausencia.No “cosas” la habitación que alberga el piano, evitando cortinas pesadas y gruesas muebles, demasiado grande y cubierto con tela, alfombras y tapices pesados: la razón es que estos elementos cambian y amortiguar el sonido.

Mantenimiento ordinario, que se llevará a cabo 1 o 2 veces al año en los cambios estacionales (para las orejas más finas se puede hacer cada 3 meses). Se compone de 3 fases: el ajuste mecánico, tuning (actuando sobre la tensión de las cuerdas se restauran los intervalos armónicos derecha) y el tono (que actúa sobre los martillos de fieltro con un instrumento provisto de dicho agujas “Intonator” se cambia irreversiblemente el sello).

Mantenimiento extraordinario (sustitución de cuerdas, tobillos, piezas mecánicas, fieltro, cachemira, rodillos y martillos). Cuando el instrumento necesita intervenciones más invasivas (reemplazar o reparar la tabla armónica, pitting) es una verdadera restauración.

El acordeón

Es un instrumento musical aerófono con fuelle -Reed libre; ha sido durante muchos años, y en algunas zonas sigue siendo, un instrumento folclórico relacionada con tradicional danza popular.

Está equipado con dos teclados o manuales, el manual derecho, también llamado cantabile, puede ser con teclado de piano o botones, mientras que el manual de la mano izquierda, el bajo es abotonado.

Tipos De Acordeones

Los acordeones pueden clasificarse en tres tipos principales: acordeón suave, acordeón de concierto y acordeón, cada una de estas categorías tienen sus propias características. Normalmente, un medio suave de acordeón tiene 3 voces a la derecha (octava baja, octava, octava oscilante, que está ligeramente “lapidada”) y 5 a la izquierda, por lo que se llama “tercera y quinta”. Estos acordeones se suelen colorear con colores muy brillantes y decorados con estampados de madreperla.

Hay instrumentos de concierto, con las mejores actuaciones, con hasta 5 entradas a la derecha y 7 a la izquierda. Los registros son combinaciones de voces, es decir, aquellas palancas en el caso armónico que cambian instantáneamente múltiples voces al mismo tiempo. Algunos nombres de combinación que se pueden encontrar son: “master” (todas las entradas ingresadas), “fagot” (sólo octavo bajo); “Clarinet” (real octava solamente), “flauta” (sólo octava real, pero con un sello diferente), “pequeño” (octava alta), “bandoneón” (baja + media octava), “violín”, “musette”, “voz celestial” (octava media más una o dos hojas logs), “acordeón” (bajo + verdadero + verdadero octavo columpio), “órgano” (octava inferior + verdadero + alto). Más precisamente estos registros se llaman 16-8-4 (maestro), 16 (maricón), 4 (pequeño), 16-8 (bandoneón) etc.

Las combinaciones de registros varían dependiendo del acordeón: los acordeones suaves, como estudios de estudio, tienen 7 registros en promedio.Los acordeones de concierto, por otro lado, tienen hasta 11, porque en estos acordeones a veces se añade el cassotto 8, que es una banda sonora con un sonido muy dulce y muy dulce. En el estudio y el acordeón del concierto no hay ninguna oscilación de la octava puesto que todos los octavos están perfectamente sintonizados.

Los tipos de acordeón de bajo acuerdo son utilizados principalmente por músicos clásicos y se estudian en los conservatorios donde se creó la Cátedra de Acordeón, sólo en los programas ministeriales italianos en 1993.Con la evolución de la tecnología, los sistemas electrónicos MIDI han sido construidos para ser aplicados al acordeón.