El piano es un instrumento icónico clásico e inconfundible, versátil y útil para casi cualquier estilo musical, desde el clásico piano de cola, hasta los modernos teclados y pianos digitales, nos proporcionan una gran variedad de posibilidades a la hora de componer y ejecutar música por lo cual el piano es uno de los instrumentos más recomendados para introducirte en este bello arte.
Gracias a las infinitas posibilidades expresivas y a la capacidad de producir muchas notas diferentes al mismo tiempo, el piano ha ganado un lugar de preeminencia entre todos los instrumentos musicales. El enorme número de composiciones para piano y el interés del compositor en él -que hoy sigue siendo grande- hacen de este instrumento uno de los protagonistas de la historia de la música.
¿Qué es un piano?
El piano es un instrumento de cuerda percusiva que se maneja con teclas. Estas teclas, presionadas por los dedos del intérprete, producen sonidos. En un piano moderno, hay teclas blancas y negras que suman un total de ochenta y ocho.
Cada tecla produce un sonido diferente debido a que la longitud de cada cuerda de vibración es distinta. Estas cuerdas, tensadas sobre un armazón metálico, se alojan en un cuerpo con forma horizontal (conocido como piano de cola) o en uno vertical (el piano vertical).
El mecanismo que transmite el movimiento de la tecla al martillo, el cual golpea la cuerda, es bastante complejo y ha experimentado varios cambios a lo largo del tiempo. Una característica distintiva del piano, en comparación con otros instrumentos de teclado, es la capacidad de ajustar la intensidad del sonido mediante una pulsación más o menos firme, lo que permite producir sonidos desde muy suaves hasta muy fuertes, de ahí el nombre del instrumento.
Otra característica importante es el dispositivo de escape: después de golpear la cuerda, el martillo vuelve a su posición inicial incluso si el intérprete sigue manteniendo presionada la tecla. Este sistema se ha refinado para permitir la repetición rápida y consecutiva de la misma nota al presionar la tecla correspondiente.
Orígenes e historia del piano
Entre 1698 y 1700, Bartolomeo Cristofori, fabricante y reparador de instrumentos de la Corte de los Médicis en Florencia, desarrolló una especie de clavicordio en el que la mecánica de las cuerdas punteadas fue reemplazada por un sistema de martillos. Este fue el prototipo del piano, que Cristofori bautizó con el nombre de «gravicembalo col piano e forte», que significa «clavecín con suave y fuerte».
Sin embargo, este instrumento no tuvo gran suerte, incluso porque no cumplió con el gusto de los músicos de la época. Después de varios intentos, unos veinticinco años más tarde, el alemán Gottfried Silbermann comenzó a construir instrumentos inspirados en los de Christopher y otros modelos siguientes: su instrumento, aunque disgustó a Bach, fue inmediatamente apreciado por Federico II de Prusia, que compró algunos especímenes, y así se popularizó. Esto llevó a la fundación de una fábrica de piano, que más tarde se hizo muy famoso. Fue el primero de una serie de compañías pianistas que surgieron en la segunda mitad del siglo XVIII.
Primeras obras o primeras piezas compuestas para piano
Entre 1770 y 1780 aparecieron las primeras piezas de música específicamente compuestas para el piano, las cuales comenzaron a suplantar el clavicordio con velocidad creciente. Justo en esos años los pedales fueron agregados al instrumento para aumentar o disminuir el sonido y la mecánica fue refinada.
Desde el principio del siglo XIX, el piano ganó dimensiones cada vez más impresionantes, mientras que en las casas de la burguesía se extendió el piano o el estudio vertical menos voluminoso.
Este es el período del gran virtuosismo de este instrumento, de conciertos públicos como espectáculos espectaculares, de compositores y pianistas románticos: Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann,Fryderyk Chopin y especialmente Franz Liszt, uno de los mejores talentos pianistas de su tiempo.
Para reforzar el sonido y permitir que el piano tocara con grandes orquestas, se utilizaron cuerdas más gruesas y aumentó la tensión. Por esta misma razón, alrededor de 1872, la compañía estadounidense Steinway patentó un marco de metal fundido en un solo bloque, mucho más robusto. Desde entonces, la construcción del instrumento no ha sufrido cambios mayores.
Tipos de piano
El piano cuenta con varias versiones o modelos dependiendo de las necesidades musicales de la obra o incluso de la epoca.
Horizontal
Más comúnmente conocido como piano de cola, este tipo de piano se clasifica según su longitud total en diferentes categorías: cuarto de cola (también llamado bebé de cola, 145-165 cm), media cola (170-190 cm), tres cuartos de cola(200-240 cm) y gran cola o piano de concierto (más de 240 cm). A medida que aumenta la longitud, estos pianos producen sonidos de mejor calidad debido a la mayor amplitud de la caja de resonancia y la mayor longitud de las cuerdas, lo que permite una mejor resonancia y un sonido más rico. Los pianos de cola se utilizan principalmente en conciertos y actuaciones por su capacidad de producir un amplio rango dinámico y tonal.
Muchos fabricantes están creando pianos excepcionales conocidos como artcases. Algunos de estos pianos presentan solo decoraciones o modificaciones estéticas, como patas elaboradas, incrustaciones, o pinturas. Otros, en cambio, incorporan cambios radicales en su diseño. Ejemplos notables incluyen el Pegasus de Schimmel, el M. Liminal diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli, y el Bösendorfer Imperial personalizado por Griffa Pianoforti.
Vertical
También conocido como piano vertical o piano de pared, este tipo de piano tiene su caja de resonancia y cuerdas dispuestas verticalmente detrás del teclado. Su altura varía entre 100 y 155 centímetros. A diferencia del piano de cola (horizontal), que se utiliza principalmente en conciertos y actuaciones, el piano vertical se emplea con frecuencia para el estudio y la práctica diaria. Las diferencias principales con el piano de cola incluyen una caja de resonancia más pequeña y la ausencia del mecanismo de escape doble, lo que afecta la capacidad de repetición rápida de las teclas.
En el piano vertical, las cuerdas están dispuestas verticalmente. Algunas de las cuerdas más pesadas y medias están dispuestas en diagonal y cruzadas, lo que se conoce como «cuerdas cruzadas». Este sistema utiliza la diagonal más larga dentro de un marco rectangular para permitir el uso de cuerdas más largas, lo que mejora la calidad del sonido.
Cada nota puede estar asociada a uno, dos o tres grupos de cuerdas, dependiendo del tipo de sonido que se desea producir.
El piano vertical a menudo incluye un pedal central llamado sordina, que coloca una capa de fieltro entre los martillos y las cuerdas. Esto suaviza el sonido y lo hace más silencioso, lo cual es especialmente útil para practicar sin molestar a los vecinos.
A lo largo de la historia, el piano vertical ha experimentado numerosos cambios y se han desarrollado diferentes tipos para adaptarse a diversas necesidades y estilos musicales.
Jirafa
El prototipo más antiguo de piano vertical fue inventado entre el siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX. Se le atribuye a Domenico Del Mela, originario de Mugello, en 1739. Este diseño inicial tenía la mecánica situada por encima del teclado, detrás de la caja de resonancia. A diferencia de los pianos modernos, no estaba provisto de un mecanismo de escape, lo que limitaba la capacidad de repetición rápida de las teclas.
Pirámide
Este instrumento fue construido en el siglo XVIII y tuvo un uso considerable en Viena. Es muy similar a un piano vertical, pero su caja de resonancia tiene una forma piramidal, lo que lo distingue visualmente y estructuralmente.
Gabinete
En italiano, el término para este tipo de piano vertical significa «armario» («armadio»). Fue construido por primera vez en Inglaterra en la primera mitad del siglo XIX. En este diseño, el teclado y la mecánica de acción están en la parte superior, mientras que las cuerdas se sitúan más cerca del piso. Este arreglo fue desarrollado casi simultáneamente por John Isaac Hawkins (1772-1855) y el vienés Matthias Müller (c. 1770-1844).
El piano presenta la acción inglesa de etiqueta (también conocida como sticker action), que es un tipo de mecánica que usa tirantes para conectar las teclas a los martillos. Además, incorpora la mecánica de bayoneta, un sistema de palanca que ayuda en la acción de los martillos.
Pianino
Este tipo de piano fue inventado en París en 1815 por Ignaz Josef Pleyel y se comercializó bajo el nombre de «pianino». Aunque Pleyel es conocido por la introducción del pianino, parte de la mecánica fue desarrollada por Robert Wornum (1780-1852) hacia 1810. Wornum aplicó un sistema de cuerdas cruzadas diagonales en el piano vertical, lo que permitió mantener la longitud de las cuerdas a pesar del pequeño tamaño del instrumento. En 1826, Wornum también creó la acción de bayoneta (o acción de cinta inglesa), que fue una evolución de la acción inglesa de etiqueta (sticker action).
Rectangular (o mesa)
El diseño del piano conocido como «square piano» o «piano cuadrado» tiene una planta rectangular. En este modelo, la caja de resonancia se encuentra a la derecha y el teclado a la izquierda. El primer modelo fue creado en 1766 por Johannes Zumpe (1726-1790) en Londres. Este tipo de piano tuvo un notable éxito a finales del siglo XVIII, inicialmente en Inglaterra y posteriormente en toda Europa, debido a su tamaño compacto y bajo coste, así como al agradable sonido que producía. Se utilizaba principalmente en el hogar, pero más tarde fue reemplazado por el piano vertical.
Vienés
Nécessaire
El néceser es esencialmente un mueble de tamaño pequeño que cuenta con cajones y compartimentos, diseñado para el uso femenino y equipado con un teclado interior. Se originó en el siglo XIX, pero ha caído en desuso con el tiempo.
Árabe
El uso del piano en la cultura musical árabe no se contempla, excepto durante un breve período entre 1920 y 1940. La exclusión del instrumento en la música árabe se debió a la incapacidad del piano para reproducir los cuartos de tono, un elemento fundamental de la música árabe. Sin embargo, durante los años mencionados anteriormente, algunos pianos fueron capaces de producir estos sonidos. Solo después de un intenso debate y una fuerte resistencia, el piano fue aceptado en las orquestas de Egipto, al día siguiente del Congreso de Músicos Árabes de El Cairo en 1936.
Algunos pianos árabes han sido utilizados notablemente por varios compositores, como Chaine Abdallah, Mohammed Elkourd y Mohamed Chaluf, mientras que otros han adaptado el piano de afinación occidental para crear composiciones árabes, como hizo Mohamed Abdelwahab.
Pianos digitales y teclados electrónicos
Desde finales del siglo XIX hasta la Segunda Guerra Mundial, gracias a la difusión de la electricidad y la electrónica, surgieron nuevos instrumentos musicales electroacústicos, desde los primeros tubos de vacío hasta los dispositivos semiconductores. Además, la expansión de los medios de radio y reproducción, como el gramófono y los magnetófonos, marcó el inicio de una nueva era. Se compuso música para la radio y la cinta magnética, se generaron sonidos mediante osciladores, y se grabó con gramófonos y grabadoras. Finalmente, se transformaron en el estudio mediante técnicas de montaje, como el collage, la mezcla, la transposición y la reverberación.
Posteriormente, surgieron los sintetizadores analógicos, instrumentos configurables para la síntesis y procesamiento de sonido, que incluyen el Melochord de Harald Bode, el RCA Synthesizer de Harry Olsen y Herbert Belar, y alrededor de los años sesenta, los sintetizadores de Robert A. Moog y Donald Buchla.
A partir de finales de los años cincuenta, la difusión de la electrónica digital marcó la transición de la música electrónica a la música por computadora. Inicialmente, se utilizaban calculadoras electrónicas para generar partituras tradicionales siguiendo patrones formales y estéticos definidos por el compositor-programador. Con el avance en el poder de procesamiento informático, los sistemas digitales reemplazaron gradualmente a los dispositivos analógicos para la síntesis y procesamiento del sonido.
Hoy en día, nos encontramos en la era del software musical, donde las tecnologías musicales se han transferido a programas informáticos que son adecuados para computadoras de uso general, sin hacer referencia específica a los soportes de materiales.
Los comienzos de la música de computadora
En la década de 1950, las calculadoras electrónicas disponibles carecían de la potencia de cálculo necesaria para sintetizar o procesar sonido en tiempo real. Inicialmente, su uso se limitó a la producción de sonidos con procesamiento retardado, supervisión de instrumentos electrónicos analógicos e incluso generación de partituras tradicionales basadas en algoritmos de notación.
Sistemas para la composición algorítmica
La generación de partituras informáticas introduce algoritmos en la composición de formas musicales, convirtiendo su concepción en parte del pensamiento compositivo que desempeña un papel estilístico. Después del lenguaje de programación MUSICOMP de Lejaren Hiller en 1962, apareció el sistema de Yannis Xenakis, ST.
Este último genera una puntuación basada en mecanismos aleatorios dentro de estructuras rítmicas y de entonación predefinidas, siguiendo distribuciones estáticas asignadas, de acuerdo con una figura estética característica del compositor.
Dos años más tarde, en la Universidad de Utrecht, Holanda, Gottfried Michael Koenig desarrolló el Proyecto 1, una serie de notas y generadores de contrapunto de duración basados en reglas estrictamente deterministas que se refieren a la escuela de serialismo integral (o estructuralismo). Más tarde, alrededor de 1972, Koenig se dirigiría al SSP para la generación de sonido.
Los primeros sistemas de software para la generación y composición de sonido
En 1957, Max Mathews intuyó el gran potencial de los sistemas numéricos para la generación de sonido. En los Laboratorios Bell, a lo largo de los años, desarrolló un lenguaje de programación para la síntesis de sonido en tiempo diferido, conocido como MUSIC 1, que inicialmente fue escrito en Assembler para una computadora de válvulas. Este lenguaje evolucionó posteriormente a MUSIC V (escrito en FORTRAN IV), luego a MUSIC 360 (para sistemas IBM 360, en 1969) y MUSIC 11 (para sistemas DEC PDP 11, en 1973). De esta manera, Mathews inauguró la era de la música electrónica basada en métodos numéricos.
La serie MUSIC puede considerarse como precursora del Csound, un lenguaje que aún es utilizado por muchos compositores para la síntesis de sonido en tiempo diferido y, más recientemente, incluso en tiempo real.
La gran ventaja de la computadora radica en su capacidad para almacenar algoritmos de generación de sonido en repositorios reutilizables, pero siempre editables (conocidos como bibliotecas), y para concatenar cálculos a lo largo del tiempo, de manera similar a una partitura, siguiendo reglas complejas. De esta manera, la computadora eliminó las etapas extravagantes e irreversibles del montaje de cintas de collage y la mezcla de numerosos y breves fragmentos obtenidos de las manipulaciones analógicas, permitiendo revisiones y cambios.
Durante la década de 1960, el renovado interés en las actuaciones en vivo planteó el «problema del tiempo real» como una cuestión estética con notables implicaciones tecnológicas. Este interés condujo al estudio de algoritmos específicos para audio y música, así como a la búsqueda de diversas formas de superar las limitaciones de velocidad de los primeros ordenadores electrónicos numéricos.
¿El final de una era?
«En los últimos años, la música electrónica ha evolucionado, alejándose del ruido y la conversación. Es raro encontrar músicos y editores que aún hablen del vocabulario futurista y optimista de los años cincuenta y lo asuman como un estandarte vanguardista o como un símbolo de liberación de la esclavitud de la academia instrumental. […] En cierto sentido, la música electrónica ya no se considera como algo aparte, pues está presente en todas partes y forma parte del pensamiento musical cotidiano”.
Con estas palabras en 1976, el compositor Luciano Berio señaló la madurez artística de la música electrónica y la introducción de la tecnología electrónica en el bagaje intelectual del compositor-artista contemporáneo.
Si miramos hacia atrás ahora, sin embargo, vemos que casi todos los avances en la música electrónica se remontan a esa etapa pionera. Lo que siguió fue, por un lado, una mera perfección de las aplicaciones de esas ideas y, por otro, su explotación comercial, más o menos exitosa. Treinta años más tarde, la industria de los instrumentos musicales se ha estancado y parece incapaz de comprender o fomentar nuevas soluciones, lo que disminuye el pensamiento musical artístico.
Existe un cierto aislamiento entre la investigación musical y el pensamiento: el primero se ve influenciado por las primeras aplicaciones comerciales, en una relación utilitaria y a menudo intentada con la industria, mientras que el segundo implica la difícil búsqueda de nuevos estímulos y relaciones con una ciencia y tecnología cada vez más absorbidas por una corriente principal que deja poco espacio para las contribuciones originales.
No es difícil reconocer en estos rasgos un perfil común de nuestro tiempo, en el cual la perspectiva se ha reducido en torno a un presente dominado por la búsqueda de resultados a corto plazo solamente.
El teclado, un octavo con sus alteraciones
El teclado es la parte del piano donde se encuentran las teclas. La base sobre la que se encuentra es a menudo de abeto. El instrumento generalmente tiene 88 teclas, 52 blancas y 36 negras, correspondientes a una extensión de siete octavas y una tercera menor, y están dispuestas en la sucesión clásica que intercala grupos de dos y tres teclas negras.
Esta disposición permite tocar las 12 notas de la escala cromática al bajar, simplemente pulsando 12 teclas del teclado en orden. En algunos pianos (pocos modelos), el teclado se extiende con 4 o incluso 9 teclas adicionales más allá de las 88 normales, descendiendo. El punto central del teclado es una tecla de referencia, comúnmente llamada «nota central».
Las teclas de piano más sofisticadas suelen ser de marfil y ébano, mientras que para los pianos comunes se utiliza generalmente la galalita (una sustancia de consistencia similar al marfil, obtenida a partir de la caseína).
El punto de referencia, desde el cual se puede ejecutar la escala mayor sin ninguna alteración, es la tecla blanca ubicada justo antes de cada conjunto de dos teclas negras. Típicamente, las teclas negras, según la tonalidad de la música a ser ejecutada, se llaman sostenidos o bemoles (más generalmente: alteraciones), dependiendo de si se refieren a la nota siguiente o a la anterior. En cualquier caso, sin embargo, producen un sonido que es más alto o más bajo que un semitono (mitad de tono) respecto a las teclas blancas contiguas.
Mecánica
Martillos, cuerdas, amortiguadores y pedales: la mecánica de un piano vertical
La mecánica es una de las partes fundamentales del piano, ya que incluye un conjunto de herramientas y sistemas que permiten la producción de sonido mediante la acción del martillo sobre las cuerdas cuando se presiona una tecla. Lo siguiente se refiere a la mecánica «moderna» de los pianos verticales.
Cuando se pulsa una tecla de piano, el amortiguador se levanta para permitir que las cuerdas golpeadas por el martillo vibren. El mecanismo del soporte se levanta, arrastrando consigo la barra de escape. La barra de escape gira un rodillo de fieltro que está unido a la varilla del martillo, provocando que se eleve. Por lo tanto, el soporte superior del trípode se eleva hasta que su extremo toca la perilla de ajuste.
El martillo continúa su recorrido golpeando las cuerdas y se separa de la barra de escape y del mismo soporte. El empujador también se eleva y permanece suspendido hasta que se suelta la tecla.
Después de golpear la cuerda, cuando la tecla se suelta, el martillo cae, aunque no completamente, ya que es detenido por el rodillo de la varilla del martillo que se encuentra en la parte superior de la base elevada. La barra de escape vuelve entonces a su posición inicial, es decir, por debajo del eje del martillo parcialmente levantado.
Si la tecla se libera de manera parcial, el martillo se libera mientras se levanta el empujador. En este punto, si se vuelve a presionar la tecla (que no ha sido liberada por completo), la barra de escape es capaz de empujar hacia atrás el rodillo y el eje del martillo hacia arriba.
Este sistema se conoce como «doble escape» y permite repetir rápidamente la misma nota sin que la tecla (y por lo tanto el martillo) vuelva a su posición inicial. Al presionar la tecla, se activa un soporte que eleva el amortiguador de la cuerda sobre la tecla presionada, permitiendo que vibre libremente. Cuando se libera la tecla, aproximadamente a la mitad de su recorrido, el amortiguador cae sobre la cuerda, deteniendo su vibración, y todas las partes de la mecánica vuelven a su posición original gracias a la fuerza de la gravedad.
Es importante tener en cuenta que el término «doble escape» es más bien descriptivo, ya que en teoría este mecanismo permite repetir el escape indefinidamente.
A diferencia del piano de cola, el piano vertical no tiene doble escape. Además, no todas las partes de su mecánica vuelven a su posición inicial únicamente por la fuerza de la gravedad, dado que las piezas están dispuestas verticalmente. Por ello, se utilizan pequeñas tiras de fieltro para ayudar al mecanismo.
Pedales
Los pianos modernos pueden tener de dos a cuatro pedales, dependiendo del fabricante y del momento de la construcción. Se colocan en la parte inferior del instrumento y sirven para alterar el sonido del instrumento de diferentes maneras. Los pedales del piano son generalmente de latón. Se distinguen los siguientes tipos de pedales:
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Pedal de resonancia o sordina (normalmente a la derecha): Este pedal, una vez accionado, eleva todos los amortiguadores al mismo tiempo. Estos amortiguadores, que son filamentos, tienen la tarea de detener la vibración de la cuerda inmediatamente después de la liberación de la tecla y de evitar que la vibración se extienda. Al usar este pedal, las cuerdas continúan vibrando más tiempo, lo que ayuda a mezclar los sonidos y a crear un timbre armonioso generado por la vibración de todas las cuerdas del instrumento, junto con las que realmente se tocan.
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Pedal de una cuerda (1 C) o una cuerda sola (normalmente a la izquierda): En los pianos de cola, este pedal desplaza ligeramente todo el teclado y los martillos hacia el lado derecho del ejecutante. De esta manera, el martillo, al ser accionado por la tecla, solo golpea una o dos de las tres cuerdas asociadas con cada tecla. Además, los amortiguadores están cubiertos con fieltro en el que se forman surcos por los golpes repetidos con las cuerdas, lo que afecta a la dureza del sonido al suavizar el fieltro del martillo. Cuando el pedal no está accionado, el punto de contacto se desplaza, lo que puede aumentar o disminuir el efecto del pedal.
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Cuarto pedal (a la izquierda, solo en algunos modelos de pianos personalizados): Utilizado por constructores y patentado por Fazioli y Stuart & Sons, este pedal transpone a la cola los modelos de pedal de una sola cuerda de los pianos verticales. Su mecanismo simplemente lleva todo el martillo hacia las cuerdas, reduciendo el impacto y produciendo así un sonido de volumen más bajo sin cambiar el tono, como ocurre con el pedal de una sola cuerda.
Tonificado a apoyado (centro)
El pedal tonal está presente en los pianos de cola y debe ser accionado después de presionar una tecla o un grupo de teclas. Básicamente, es un pedal resonante que actúa solo para un grupo limitado de teclas, las pulsadas inmediatamente antes de la acción del pedal; las demás no se verán afectadas por su acción. También es conocido como el pedal Rendano, en honor a su inventor, el pianista y compositor Alfonso Rendano.
Sordina
La sordina (también presente en otros instrumentos) es un pedal que mueve una palanca, la cual intercala un paño de fieltro entre las cuerdas y el martillo a lo largo de toda la extensión del instrumento. El sonido obtenido de esta manera es bastante amortiguado, pero aunque el efecto es útil para practicar (con el único propósito de «no molestar a los vecinos»), nunca se ha considerado musicalmente agradable. Por lo tanto, casi ningún compositor lo ha explotado.
Cuidado mantenimiento del piano
El porcentaje de humedad es uno de los factores más críticos para el piano. Demasiada humedad puede deformar la madera bajo carga, mientras que un ambiente excesivamente seco puede causar grietas en las mismas piezas.
La temperatura ambiente y la ubicación del instrumento también ejercen una gran influencia. La temperatura óptima oscila entre 15 y 19 °C, y cualquier cambio brusco de temperatura no es favorable para el instrumento. Por ejemplo, en invierno, es importante evitar abrir ventanas o balcones repentinamente en la habitación que alberga el piano y evitar exponerlo durante largos períodos a bajas temperaturas. La exposición directa a los rayos del sol también puede ser perjudicial para la pintura, el chapado, la madera y las cuerdas.
El piano no debe colocarse cerca de fuentes de calor (como estufas, chimeneas, calentadores, etc.) o expuesto directamente a la radiación solar, ya que esto puede causar daños. Además, se debe evitar situarlo junto a una pared exterior de la casa. Las bodegas deben evitarse si no están ventiladas adecuadamente. También es importante evitar colocar objetos sobre el piano, como archivos de música, jarrones, ceniceros, botellas, vasos, etc., ya que pueden comprometer la pureza y la intensidad del sonido.
No se recomienda limpiar el interior del instrumento, especialmente con productos agresivos, ya que esto podría dañar seriamente la madera. La limpieza interna debe ser realizada por un técnico calificado, quien decidirá si es necesario desmontar la mecánica para una limpieza más profunda. Para la limpieza externa, se deben usar productos específicos que protejan el brillo y el color de la superficie.
También es importante prestar atención a la presencia de insectos y roedores. Para los insectos, se pueden colocar repelentes dentro del piano. En caso de problemas con los roedores, se deben cerrar los accesos al piano, como los agujeros del pedal, durante períodos prolongados de ausencia. Es importante no sobrecargar la habitación que alberga el piano, evitando cortinas pesadas, muebles grandes y tapizados gruesos, ya que estos elementos pueden alterar y amortiguar el sonido.
El mantenimiento ordinario del piano debe realizarse una o dos veces al año, preferiblemente durante los cambios estacionales (para pianos más sensibles, este mantenimiento puede realizarse cada 3 meses). Este mantenimiento incluye ajustes mecánicos, afinación (para restablecer los intervalos armónicos correctos mediante el ajuste de la tensión de las cuerdas) y entonación (ajuste de los martillos de fieltro con herramientas especializadas). El mantenimiento extraordinario puede incluir la sustitución de cuerdas, clavijas, piezas mecánicas, fieltro, paños, rodillos y martillos. Cuando el piano requiere intervenciones más significativas, como reemplazar o reparar la tabla armónica, se considera una restauración completa.
