Si has llegado hasta aquí, seguramente conocer cuales son los 10 instrumentos musicales más populares y utilizados.
La música es un arte de gran influencia histórica, social y cultural, ha estado con nosotros desde las primeras civilizaciones y ha sido parte fundamental de nuestra historia como seres humanos.
Así como la música perse, existen instrumentos musicales más populares conocidos por todos y de gran influencia, sin los cuales tantos años de música nunca hubieran existido, por lo que estos son diez de los instrumentos más populares de todos:
La Guitarra – El instrumento mas popular
¡Quizás el instrumento musical áas popular de todos los tiempos! Música clásica, rock, folk, baladas, heavy metal, flamenco, y una lista casi infinita de géneros en donde participa este polifacético instrumento tanto como instrumento principal como acompañante de grandes cantantes.
La guitarra clásica es reconocida por todos a lo largo del globo debido a su gran influencia en la música. Descendiente del laúd morisco, la guitarra que conocemos actualmente tiene su origen en el siglo XV, donde se dio paso a través de Europa empezando por España.
Originalmente, es un instrumento que consta de una caja de resonancia en forma de pera, 6 cuerdas de nylon montadas sobre un mástil, hecho en su mayoría de madera, con parte es hueso y trastes de metal. Hoy en día posee variantes como la guitarra flamenca, la guitarra folk de cuerdas de metal, guitarras de 12 cuerdas, y la inconfundible guitarra eléctrica que dio paso a una revolución musical llamada rock que tuvo indiscutible influencia social y política a partir de mediados del siglo XX.
Un instrumento musical que ha sido impulsado en gran parte por la excelente calidad de marcas de guitarras a lo largo del tiempo.
Guitarra Acústica
En la guitarra acústica y también algunas variedades semiacústicas, el cuerpo tiene las funciones de caja de resonancia y la fijación de las cuerdas. El cuerpo es una caja hueca hecha de varias maderas. Generalmente tiene una abertura (llamada boca) en la parte superior, necesaria para amplificar el sonido de las cuerdas y permitir la vibración del aire. Bajo la boca se pega el caballete, usado para fijar las cuerdas al cuerpo. El caballete tiene agujeros para la fijación de las cuerdas. Sobre el caballete, se monta el rascador, una barra de nácar, hueso o plástico que sirve para distanciar las cuerdas del cuerpo y de la escala.
En guitarras flamencas, utilizadas en flamenco, un protector superior está montado en la parte superior debajo de la boca de manera que el músico puede realizar sonidos de percusión con los dedos. Varios elementos decorativos están presentes en el cuerpo, tales como baldosas o ajustes del color. Algunos instrumentos populares se pueden pintar en varios colores.
Guitarra Eléctrica
En la guitarra eléctrica y el bajo, el cuerpo es una pieza maciza de madera, generalmente maciza o en los modelos más populares, madera laminada, pues eso produce instrumentos ligeros y muy rígidos, además de tener mejor sonoridad. Las maderas brasileñas más comunes son el cedro, caoba, marfil, caxeta o fresno. En otros países se emplean maderas como ash, alder, basswood, jacarandá, ébano o a bordo entre otras.
En general estos instrumentos están revestidos por finas láminas de maderas más nobles o pintadas, muchas veces con motivos bastante elaborados y multicolor. El cuerpo es generalmente tallado o excavado para permitir el montaje de los equipos electrónicos, del puente (caballete) y otros equipamientos. Un protector de tapa, llamado guarda uñas puede ser añadido para proteger el cuerpo de la fricción con la paleta.
El Violín
Instrumento clásico de orígenes tan distantes como el de la guitarra, el violín ha quedado grabado en la colectividad como el instrumento símbolo de música clásica y de orquesta en donde sea que se observe su forma.
Ha pasado de la construcción rudimentaria hasta llegar a las manos de lutieres como Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari, quienes le dieron la forma con la que es reconocido hoy en día:
El violín consta de un cuerpo hueco y curvado del cual se sujetan 4 cuerdas entorchadas de acero, las cuales son tocadas con un arco que consta de una vara de madera pernambuco que sostiene cerdas de la cola de caballo por tradición alemán bañadas en una resina perrubia.
El violín es un instrumento musical de la familia de instrumentos de arco, con cuatro cuerdas acordadas en los 5tos intervalos.
Es el instrumento más pequeño y el de tesitura más aguda dentro de su familia. Las partituras para violín se escriben utilizando la clave de sol. Cuando es necesario tocar notas y pasajes particularmente altos, se utiliza una indicación para que el músico interprete estas notas una octava más arriba de lo habitual.
Hasta el siglo XVIII, sin embargo, dependiendo de la textura de la canción específica o fragmento de música, fue utilizado un gran número de claves secundarias: Clave de Fa una octava más alta, contralto, mezzosoprano, y Francésclef.
Violinista es el que toca el violín; el artesano que lo construye o lo repara es el violero.El más famoso violinista de todos los tiempos era italiano, Niccolò Paganini nació en Génova en 1782 y murió en Niza en 1840.
El Piano
El piano es un instrumento de elaboración compleja y presenta una amplia gama de obras, desde piezas clásicas hasta baladas modernas. Es uno de los instrumentos musicales más populares y posee uno de los rangos tonales más amplios. En su versión más grande, el piano de cola puede llegar a medir hasta 270 cm de largo.
El piano consta de una caja resonadora y un cuerpo compuesto por una gran cantidad de cuerdas de diferentes espesores y tamaños, que son pulsadas por un sistema de martillos cuando el intérprete presiona las teclas. Hoy en día, gracias a la tecnología, existen modelos mucho más compactos que no solo simulan otros instrumentos, sino que también permiten grabar música a través de un ordenador.
La Trompeta
Su origen se remonta a los inicios de la humanidad, y según muchos autores, es uno de los primeros instrumentos utilizados por el hombre en sus etapas más primitivas.
Originalmente, se construían con materiales como cuernos, conchas de moluscos, cañas de bambú y otros elementos poco elaborados. Inicialmente, la trompeta se utilizaba como instrumento de advertencia por los primeros grupos nómadas. Sin embargo, en el siglo XVIII, gracias a Anton Weidinger, se desarrolló la trompeta de tres pistones, que es la versión que conocemos hoy en día.
Como instrumento de viento metálico, la trompeta se ha convertido en un símbolo destacado entre los de su tipo. Su repertorio abarca una amplia gama de géneros, incluyendo jazz, blues, reggae, ska, ranchera, salsa, merengue y música clásica. Además, es fundamental para toques icónicos como el toque de diana o la marcha fúnebre. Sin duda, la trompeta es un instrumento de gran importancia e influencia en varios géneros musicales y resulta indispensable en muchos de ellos.
La Batería
La batería, la base rítmica de muchos géneros musicales, es la espina dorsal de numerosos grupos y un símbolo inconfundible de la percusión en la mayoría de los estilos musicales occidentales, lo que la convierte en un icono en nuestro top 10 de los mejores instrumentos musicales.
La batería es un conjunto de tambores de diversos tamaños y sonidos, y platillos dispuestos de manera conveniente para ser golpeados por un único percusionista. Por lo general, el percusionista utiliza un par de baquetas, cepillos o palillos, aunque algunos artistas también tocan con las manos.
Este conjunto de instrumentos se utiliza a menudo en estilos musicales como el jazz, hip-hop, rock, pop y muchos otros. Desde la década de 1920, con la aparición del primer bombo, la batería se ha convertido en un componente esencial de la música contemporánea, especialmente con la introducción de la percusión electrónica.
A principios de 1900, las bandas y orquestas tenían dos o tres percusionistas. Uno tocaba el tambor, otro la caja, y otro más tocaba los bloques de madera para efectos de sonido. El desarrollo del pedal activador permitió que una sola persona pudiera realizar todas estas acciones.
El primer pedal práctico fue inventado en 1910 por William F. Ludwig, quien creó el primer modelo de madera. Poco después, debido al aumento de la demanda, comenzó a desarrollar, junto con su hermano Robert Danly, una versión de pedal de acero que fue vendida a miles de bombos y sirvió de base para la creación de los modelos más avanzados que tenemos hoy.
Bajo Eléctrico
El bajo, también conocido como guitarra bajo o simplemente bajo, es un instrumento de cuerda ampliamente utilizado en diversos géneros musicales modernos, como el rock, jazz, blues, heavy metal, punk, reggae, ska, entre otros.
El bajo eléctrico tradicional y popular que la mayoría de las bandas de rock utiliza es muy similar a una guitarra eléctrica, pero tiene un cuerpo más grande, un brazo más largo y una escala más amplia. En general, los bajos eléctricos más comunes tienen cuatro cuerdas, afinadas tradicionalmente de la misma manera que las cuatro cuerdas más graves de una guitarra (E, A, D y G), pero cada una se afina una octava más baja que en la guitarra.
Para evitar el uso excesivo de líneas adicionales inferiores en la partitura, la notación musical del bajo o contrabajo se escribe en clave de fa. Las notas se anotan una octava más arriba de cómo realmente suenan, en relación con el sonido que el bajo debe emitir.
Es decir, cuando se leen las notas en la partitura, el sonido real será una octava más grave de lo que está escrito. Esto es similar a la notación utilizada para la guitarra. Para aprovechar al máximo el potencial del bajo eléctrico, es esencial conectarlo a un amplificador específico para bajos; esto es crucial para las presentaciones en vivo, ya que el sonido del bajo eléctrico sin amplificación es demasiado bajo debido a su cuerpo sólido.
La Flauta
Es un instrumento musical soplado hecho de diversos tipos de madera con un tubo hueco con formato de agujeros. Es un aerófono que emite sonido desde el flujo de aire dirigido a un borde que vibra con el paso de aire. La ejecución de un instrumento de viento de este tipo, que tiene una historia muy antigua, consiste en soplar en el interior del tubo mientras se cubren y descubren los orificios con los dedos. La persona que toca flauta se llama el flautista.
Además de la voz, las flautas son conocidas por ser los primeros instrumentos musicales. Se han encontrado flautas que datan de hace 40.000 a 35.000 años en la región del Jura de Suabia (Alemania). Estas flautas demuestran una tradición musical que se desarrolló desde los albores de la presencia humana moderna en Europa.
La flauta es uno de los instrumentos de viento más versátiles. Desde la música medieval hasta el jazz, pasando por las melodías folclóricas de varios países como Brasil, en ritmos como el baião, el lundú, la samba, la bossa nova, entre otros, siempre ha sido ampliamente utilizada. Además, ha sido muy popular en el rock progresivo, y después de los instrumentos tradicionales como el bajo, la guitarra, la batería y el teclado, se ha convertido en uno de los más utilizados en este género musical.
Acordeón
El acordeón es un instrumento musical de viento que pertenece a la familia de los instrumentos aerófonos mecánicos. Está formado por un fuelle hecho de pliegues de cartón recubiertos con tela y dos cajas armónicas de madera con botones y/o teclas dispuestas a ambos lados. En el interior de estas cajas se encuentran los diapasones portallengetes, unas piezas de madera similares a las armónicas de boca, que contienen las lengüetas o lengüetas de acero que producen el sonido al vibrar gracias a la fuerza de la corriente de aire generada por el fuelle, accionada por el brazo izquierdo del acordeonista.
Por lo general, las melodías se tocan con el teclado correspondiente a la mano derecha (Manual I), que puede ser de botones o de teclas. Los bajos, acordes y acompañamientos armónicos y rítmicos se tocan con el teclado correspondiente a la mano izquierda (Manual II). Además, hay acordeones que disponen de un sistema mecánico que transforma, a voluntad del acordeonista, la disposición de los acordes de la parte izquierda en notas únicas ordenadas de grave a agudo (Manual III, también llamado sistema de bajos libres o basetto).
El primer acordeón lo patentó Cyrill Demian en 1829, en Viena (Austria). Rápidamente fue un instrumento conocido y usado entre la burguesía de la época, lo que provocó que se construyeran verdaderas joyas de instrumentos, con piezas de nácar, marfil e incrustaciones de piedras preciosas.
Paralelamente, se difundió entre las clases populares y obreras, y se adaptó rápidamente a la música popular de cada lugar donde llegaba, muchas veces desplazando a otros instrumentos que se habían utilizado hasta entonces, debido a su condición de instrumento melódico, armónico y portátil.
La versatilidad de este instrumento lo hace apto para tocar cualquier estilo musical, desde la música popular hasta la clásica, contemporánea, antigua, moderna, jazz, blues, etc.
Funcionamiento Del Acordeón
Cada uno de los botones o teclas que se encuentran en las cajas armónicas sirve para seleccionar los sonidos que se emitirán. Al pulsarlos, activan unas válvulas que permiten el paso del aire hacia el interior del fuelle. En el recorrido del aire se encuentra la lengüeta metálica libre, que vibrará siempre que la presión sea suficiente para moverla.
Al dejar de pulsar las teclas o botones, unos muelles hacen que las válvulas vuelvan a su posición inicial y bloqueen nuevamente el paso del aire. De este modo, la lengüeta en cuestión deja de vibrar. Así pues, para hacer sonar una nota, basta con hacer fluctuar el aire, abriendo y cerrando el fuelle del acordeón mientras se pulsan una o varias teclas o botones.
Muchos instrumentos de la misma familia, como el bandoneón, la concertina o el armonio, utilizan el mismo mecanismo para emitir los sonidos, aunque la insuflación de aire a sus lengüetas se realice con fuelles de características diferentes a las del acordeón.
Voz
En la música, la voz es el primer e indispensable instrumento musical, el más instintivo. Ha sido el fundamento de la expresión musical desde sus cimientos e inspiró la creación de numerosos instrumentos musicales. Términos como «songwriting» y «singing» también se usan a menudo en la práctica instrumental para indicar timbre y fraseo similares a los utilizados en la práctica vocal. En algunas tradiciones musicales, como por ejemplo en la música clásica india, la voz es el modelo expresivo al que se asemeja la música instrumental.
La voz es el instrumento, utilizando sonidos ordenados por el ritmo y la altura para formar una melodía. El canto se suele articular en un texto, aunque no necesariamente; el canal dual de la comunicación (música-palabra) hace de la voz el instrumento musical más flexible, capaz de producir los efectos más profundos sobre el hombre y la psique. Un grupo de cantantes (también llamados coristas) cantando juntos forman un coro.
Tipos De Emisión De Voz
La voz humana es el sonido producido en la laringe por la vibración de las cuerdas vocales, causada por el aire exhalado de los pulmones al pasar por la glotis. El timbre vocal está influenciado principalmente por las características morfológicas de las cuerdas vocales, pero también por la configuración facial (donde resonará la voz) y otros factores físicos. La capacidad de alterar el tono de voz es un arte y ha sido estudiada y explotada por actores, imitadores y otros profesionales de la voz.
En canto, la voz de pecho se utiliza principalmente para tonos graves y el falsete para notas agudas. Los dos registros («pecho» y «cabeza») pueden combinarse, y la transición entre ellos puede variar en pronunciación dependiendo del estilo y las técnicas utilizadas.
El término «registro» es un concepto técnico relacionado con los diferentes tipos de repertorio y estilos, así como con la historia y las diversas escuelas vocales. El concepto histórico-estético de «conjunto de voces» surgió junto con las crecientes dificultades técnicas requeridas por los cantantes de los repertorios vocales coexistentes, lo que hace difícil dar una definición precisa de la voz colocada y su formación física y artística.
Para un «conjunto de voz» según los cánones de la música clásica, generalmente se busca una voz homogénea («redonda»), que tenga una buena emisión de aire (para cantar pasajes largos) y volumen (para ser escuchada incluso a distancia); todo esto debe lograrse sin forzar las cuerdas vocales o adoptar posturas dañinas («cantar con la respiración»).
La respiración suele ser diafragmática. Después de la inhalación, varios grupos musculares, incluyendo el abdomen inferior y los músculos pélvicos, proporcionan soporte muscular para una exhalación controlada. La emisión de la voz se produce en la laringe, el órgano que contiene las cuerdas vocales.
Para una buena producción vocal en cualquier género, se debe evitar el exceso de aire, procurando producir un sonido claro y limpio. En canto, donde las vocales tienden a ser pronunciadas de manera uniforme, los sonidos se dirigen hacia la «máscara», es decir, la parte de la cara entre la boca y la frente, especialmente la zona de los senos paranasales. Esto puede afectar la dicción vocal, que tiende a diferir del habla, lo que a menudo resulta en una comprensión limitada de las palabras en la canción lírica.
La técnica de articulación varía según las características fonéticas del idioma en el que se canta. Cantar en alemán o italiano requiere una técnica muscular diferente en la zona de la máscara o la laringe. Además, la altura y el registro utilizados influyen en la articulación y suelen ir acompañados de determinadas formas faciales (como una sonrisa para registros agudos y una hiperextensión de la mandíbula para registros graves).
La voz de pecho es comúnmente asociada con un sonido potente, especialmente en repertorios del siglo XIX y contemporáneos que a menudo requieren voces capaces de destacarse sobre el volumen de una orquesta imponente.
El arpa
El arpa es un instrumento musical de cuerda pulsada que consta de una gran caja resonante unida a una sección de madera sólida de la cual se sostienen las cuerdas. Hay varios tipos de arpas. Con respecto a la música popular y tradicional, muchas culturas y geografías tienen una variedad de variantes de arpa entre sus instrumentos: el arpa celta, las diversas arpas africanas, indias y muchas otras.
En un contexto occidental, el término «arpa» generalmente se refiere al arpa de concierto con pedales, del cual existen variantes acústicas y eléctricas. El arpa de concierto con pedales está equipada con 46-47 cuerdas extendidas entre la caja de resonancia y un estante llamado «ménsula», con una extensión de 6 octavas y media y afinadas en bemol mayor. Los sonidos de esta arpa se pueden obtener utilizando 7 pedales dobles; cada cuerda es capaz de producir tres notas diferentes y se puede construir una escala cromática. Un arpa de concierto moderna consta de aproximadamente 1415 piezas, algunas de las cuales son de madera.
La Historia Del Arpa
El arpa tiene un origen muy antiguo: deriva del llamado arco musical. Los primeros en utilizar el arpa fueron los sumerios en el tercer milenio a.C. Las representaciones en monumentos que datan del Reino Antiguo muestran instrumentos de tamaño mediano, aproximadamente de un metro de altura, con seis u ocho cuerdas, formadas por un tallo de madera arqueado, con un extremo cóncavo y otro ligeramente convexo; el intérprete aparece desnudo o arrodillado.
En épocas posteriores, por ejemplo, en el Reino Medio, el instrumento adquiere dimensiones mayores y el intérprete se representa de pie; la caja de resonancia aparece más ancha y el número de cuerdas se eleva hasta veinte. Se conserva un ejemplar fechado alrededor de 2700 a.C., encontrado en Ur (la actual Irak) por Sir Leonard Woolley. El tipo de arpa que mencionamos era curvilíneo y todavía se construye en África.
Los egipcios y los asirios también desarrollaron diferentes formas de arpa, con un número variable de cuerdas (parece que llegaron a tener hasta 22). El uso del arpa también era conocido por el pueblo judío, aunque fue menospreciado por los griegos y los romanos a favor de la lira y la cítara.
El arpa reapareció en Europa durante el siglo IV, en las poblaciones del norte, principalmente irlandeses y anglosajones, y desde allí se extendió al resto del continente, donde fue utilizado principalmente en el género del Minnesang en el siglo XII. Desde los siglos IX al XIV, el arpa de Irlanda fue utilizada por cantantes ambulantes. En el siglo XIV, el arpa se hizo muy común como acompañamiento de canciones o bailes.
Cambios Realizados Al Arpa
Michael Praetorius, en 1619, describe los tres tipos de arpas que existían en su época: el arpa común de 24 cuerdas diatónicas, que tenía una extensión desde atrás hacia adelante; el arpa irlandesa de 43 cuerdas, que se afinaba a mí; y el arpa doble cromática de cinco octavas (do – do).
Comenzando desde principios del siglo XVII, el arpa fue utilizada para interpretar el bajo continuo, especialmente en el acompañamiento de canciones, y luego se integró inmediatamente en el conjunto instrumental utilizado en la primera sección. En 1607, Monteverdi le dedicó un papel solista en Orfeo, donde simbolizaba la lira interpretada por Orfeo.
Durante este siglo, se realizaron varios intentos para ampliar las posibilidades del arpa precursor. Inicialmente, se intentó reducir el arpa a dos tipos de afinaciones. Antonio Stachio agregó cinco cuerdas para cada octava y luego extendió el alcance del arpa a seis octavas más dos notas. Patrini creó un arpa doble, en la que una hilera de cuerdas emitía los tonos de la escala diatónica, mientras que la otra mitad producía los semitonos intermedios. Sin embargo, fue solo en 1720 cuando el constructor bávaro Hochbrucker introdujo los pedales, primero cuatro y luego siete, que operaban una serie de palancas conectadas a los pasadores de las cuerdas; la presión del pedal correspondía a una tensión más alta de la cuerda, equivalente al ascenso de un semitono.
Con la adición de varias modificaciones técnicas, el arpa se consolidó a lo largo de siglos y países. La escuela de arpa fue especialmente destacada en la segunda mitad del siglo XVIII en Francia, donde se fabricaron arpas suntuosamente decoradas, algunas de las cuales aún se conservan en el Museo del Conservatorio de París, el Museo de la Ciencia y la Tecnología de Mónaco y el Museo del arpa Víctor Salvi de Piasco (CN).
Dos parisinos, el Cousineau, en 1760, perfeccionaron el mecanismo de pedal mediante la aplicación del sistema de gancho, que resultó ser mucho más práctico que los anteriores y se basaba en la acción del pedal a través de una serie de palancas que ejercían una acción de tracción en puntos altos, arrastrando la cuerda hacia las clavijas adicionales.
En el Reino de Nápoles, Giuseppe Antonini relató el testimonio de un visitante que, alrededor de 1745, mencionó la presencia de fabricantes de instrumentos en Viggiano, en la provincia de Potenza. El viggianese Vincenzo Bellizia, considerado contemporáneo de Francesco De Bourcard como un «valiente fabricante de arpas», fue uno de los primeros artesanos en producir arpas mecánicas en el Reino de Nápoles y, por sus méritos musicales, fue galardonado por el Real Instituto de Fomento con una Medalla de Plata.
Nicolas Bochsa (1789 – 1856) fue uno de los más grandes arpistas del siglo XIX, al igual que su alumno Elías Parish Alvars. En 1811 nació en Londres el arpa de doble movimiento, que permitía la ejecución en todos los tonos gracias a la posibilidad de elevar la cuerda dos semitonos; esta tecnología todavía se usa bajo el patrocinio del francés Sébastien Érard, quien en 1786 ya había creado el arpa de sistema único. El arpa moderna se perfeccionó a lo largo del mismo siglo.
En Francia se produjo una gran cantidad de composiciones para arpa, incluyendo «Danses sacrée et profane» de Debussy, «Introduction et Allegro» de Ravel, «Impromptu», «Une châtelaine en sa tour» de Gabriel Fauré, «La petite Livre de Madame Tardieu» y el «Concierto para arpa» de Germaine Tailleferre.
En las primeras décadas del siglo XX, el arpa, gracias al trabajo de muchos arpistas destacados como Casper Reardon (estudiante de Carlos Salzedo), Alice Coltrane (esposa del saxofonista John Coltrane) y Dorothy Ashby, comenzó a ser utilizado también en contextos puramente jazzísticos.
De hecho, hasta el día de hoy, músicos contemporáneos como Park Stickney, Edmar Castaneda o Marcella Carboni continúan utilizando el arpa para enriquecer el sonido original del jazz, aprovechando también los efectos técnicos y ejecutivos especiales, como la tendencia a enfatizar la transición entre dos semitonos con la sola acción del pedal, sin tener que volver a pellizcar la segunda nota, o el uso de la tabla armónica por parte del percusionista.
Existen otros instrumentos de cuerdas como el Ukelele que podrian ser de interes para nuestros lectores.
