Antes de hablar del piano digital, es necesario abordar un poco la historia del piano. En la década de 1850, la familia Steinway inventó el piano cuadrado de cuerdas cruzadas y desarrolló un modelo de chasis metálico de una sola pieza que podía soportar una tensión de cuerda mucho mayor.

Este importante avance tecnológico hizo posible obtener sonidos mucho más amplios y ricos que en el pasado. Los Steinway decidieron embarcarse en una producción a gran escala. La investigación de Theodor Steinway con el físico y acústico Hermann Helmholtz en Alemania fue llevada a cabo durante un tiempo y tuvo un gran impacto en los principales fabricantes de pianos del mundo.

Se dio un paso decisivo para el futuro del piano de cola. La firma Steinway se convirtió en la más famosa del mundo gracias a sus innovaciones. A finales del siglo XIX, Steinway no era la única gran empresa. Competidores serios como Broadwood & Sons, Bösendorfer y Bechstein también destacaban. Bösendorfer, por ejemplo, suministró pianos para la corte imperial de Viena y creó un modelo de piano con nueve semitonos adicionales en el bajo.

Por otro lado, la empresa de Julius Blüthner inventó el sistema ‘alícuota’, que consiste en agregar a cada nota del registro superior una cuerda adicional que no se golpea, sino que vibra por simpatía, obteniendo así armónicos adicionales.

 

Piano digital

En el año 1929, un experimentado ingeniero y lutier llamado Lloyd Loar, quien había trabajado anteriormente en la mundialmente famosa fábrica de guitarras eléctricas Gibson, conocida en sus humildes inicios como una pequeña factoría de mandolinas, fue el creador de lo que posiblemente haya sido una (si no la primera) versión de un piano digital.

 

Su sistema se basaba en un circuito eléctrico que pretendía emular el efecto sonoro de los conocidos pianos de cola al percutir una cuerda de acero, con el beneficio adicional de reducir las dimensiones del instrumento. Aunque este primer intento era bastante mejorable, representó un pequeño paso que abrió camino al desarrollo de una nueva idea: un piano con un sonido nítido, brillante y “natural”, que fuera mucho más reducido en tamaño y más económico de construir que un piano de cola, también conocido como grand piano.

Lloyd, con su compañía Vivitone, creó los prototipos de algunos instrumentos eléctricos, como el primer contrabajo eléctrico (que después evolucionaría en los modernos bajos eléctricos). Estos desarrollos sentaron las bases para los primeros teclados eléctricos, pianos digitales y otros derivados del piano clásico.

Luego le sucederían Benjamin Miessner y Rudolph Wurlitzer, quien inventaría el primer piano eléctrico destinado al consumo masivo. Este fue el primero en utilizar un sistema de pastilla electroestática (similar a las que usan las guitarras de hoy en día), accionada a través de un sistema que miniaturizaba el funcionamiento de un piano acústico. Por lo tanto, este modelo de piano tendría la categoría de piano electrónico, siendo oficialmente el primer piano electrónico de la historia.

¿Cómo elegir tu piano digital?

El piano digital es un instrumento electrónico que requiere una fuente de alimentación, equipado con un teclado estándar de 88 notas que reproduce el sonido de un piano acústico a través de un sistema electrónico. La tecnología más utilizada es la toma de muestras de sonido. La ventaja de un piano digital en comparación con un piano acústico es que no se desafina, se puede conectar a un ordenador, moverse más fácilmente y conectarse a unos auriculares para tocar en cualquier momento sin molestar a los vecinos.

Frente a la multitud de modelos de pianos digitales, la elección de uno puede ser delicada. De hecho, los diferentes instrumentos tienen características muy diversas que deben cumplir objetivos específicos. Antes de elegir su piano digital, es importante preguntarse cuál será su utilidad. ¿Para un uso puramente lúdico? ¿Para un aprendizaje clásico? Aquí hay información que lo ayudará a tomar una decisión informada.

La elección de su teclado debe estar de acuerdo con la práctica que pretenda realizar con él.

Para el aprendizaje que se aproxima al máximo a un piano acústico, opte por un piano digital que reproduzca el sonido de un piano real con 88 teclas, un toque pesado y pedales.

Hace algún tiempo abordamos dos temas de gran interés para pianistas y tecladistas. El primero es el tratamiento acústico de un espacio que acomoda un piano. El segundo tema es un artículo monográfico dedicado al coloso Roland, un auténtico pilar de la música digital. Roland es uno de los nombres importantes con los que debemos lidiar hoy.

 

Los pianos digitales modernos ofrecen un alto rendimiento para aquellos que quieren tocar en el apartamento. El piano digital es objeto de opiniones muy conflictivas; es una herramienta creada para satisfacer las necesidades prácticas de aquellos que quieren tocar en cualquier momento del día o de la noche.

Claramente, es una solución de compromiso, similar a comparar una guitarra eléctrica con una acústica. Es cierto que, en el caso de los pianos, las técnicas de construcción introducidas en los últimos años los han hecho más similares a sus versiones acústicas.

Los pianistas clásicos tienden a despreciar este tipo de instrumento, por razones no del todo infundadas. A menos que elija un instrumento digital de gama alta, como la Yamaha N1, el piano digital no tiene la misma mecánica acústica. Por esta razón, el toque a menudo se vuelve artificial, difícil de alcanzar. Aunque no se logran los mismos rendimientos que los pianos acústicos, la solución digital permite la práctica sin molestar a los vecinos.

En el verdadero piano, el timbre nace de la percusión de las cuerdas por el martillo, operado por las teclas. Además, el botón tiene un mecanismo llamado «doble escape», que consiste en que el martillo, al golpear la cuerda, no cae completamente. Podemos percibirlo presionando cualquier tecla lentamente; en el medio de la ejecución se siente resistencia. En los pianos digitales esto se emula a nivel estructural, pero obviamente no se requieren cuerdas. El teclado puede proporcionar sensaciones táctiles agradables, pero el sonido no será igual.

Otro detalle es que un buen piano debe durar varias décadas y revalorizarse incluso después de 50 años. En cambio, los pianos digitales están destinados a rendir poco tiempo, tan pronto como sale el último modelo, al igual que sucede con el software y los teléfonos móviles. Entonces, consideremos estos aspectos según lo que elijamos. Aunque las técnicas de construcción modernas los hacen cada vez más parecidos al piano acústico, lo digital seguirá siendo una emulación del original.

Incluso el órgano, en el pasado, nació para reproducir la orquesta, pero sin pretender imitarla. Hoy es un instrumento musical con su propia voz y carácter; tal vez debería ser así también para el equivalente digital del piano. Si en el nacimiento del fortepiano este tuvo que emular el clavicordio en el sonido y en la técnica, hoy quizás no conoceríamos el piano moderno ni a autores como Mozart, Liszt y Chopin.

¿Qué es lo recomendable? Vaya a una tienda de música y pruébelo innumerables veces hasta estar seguro. O, en caso de comprarlo en línea, revise las opiniones y especificaciones. Aunque el pianista, así como el baterista, tiene un compromiso, estos «emulados» del piano podrían dar satisfacción.

Una solución ideal sería tener un piano real para la ejecución diurna y uno digital para las horas de la tarde y noche. Siendo realistas, podemos ver lo que ofrece el mercado, con vistas a las herramientas de alta gama. No hagamos la elección en teclados baratos, que no tienen relación con el piano real.

Un buen piano digital, con teclas de madera y un toque pesado mecánicamente, cuesta alrededor de 1500/2000 euros. Por lo tanto, incluso si sabemos que los dos nunca serán iguales, señalaremos algunas soluciones que, en nuestra opinión, representan un buen compromiso y son una buena referencia en cuanto a calidad digital.

Para estar seguro, confíe en los «grandes clásicos», tales como Yamaha, Kawai, Korg, Roland y Casio. Si tiene la intención de practicar el piano en diferentes lugares o si simplemente le falta espacio, opte por un piano portátil. Los miembros de bandas que se presentan en el escenario también encontrarán una selección de teclados de escena. Algunos criterios para la elección de su piano digital pueden ser:

El sonido: estudie su equilibrio de bajos a agudos.
Toque: ni demasiado duro ni demasiado suave; un mal toque le cansará.
La marca: su reputación es a menudo un signo de calidad.

 

El sintetizador

El sintetizador se ha establecido poco a poco, a lo largo de su historia, como un instrumento indispensable para el desarrollo de la música moderna. Aunque en un principio algunos músicos lo consideraron un accesorio, y otros músicos de estudio o de escenario lo vieron como un rival peligroso, capaz de opacarlos —como la caja de ritmos para reemplazar los tambores, o el sintetizador para suplantar el bajo, las cuerdas o los metales, por ejemplo— su importancia ha crecido significativamente.

Por supuesto, los primeros sonidos de los sintetizadores analógicos eran apenas similares a los instrumentos que querían imitar; el sonido de un instrumento acústico es muy complejo debido a sus armónicos y sus diferentes niveles de ataque o modulación.

Muchos músicos han preferido, de manera lógica, explotar el sintetizador como una herramienta para la creación de nuevos sonidos. El sintetizador, aunque es un invento relativamente reciente, cuenta con una rica diversidad de modelos que han marcado su historia. En solo unas pocas décadas, el sintetizador ha tenido una evolución fantástica, desde los primeros sintetizadores modulares de tubos hasta los sintetizadores analógicos y digitales, y los modelos que conocemos hoy en día, basados en el muestreo y el modelado físico.

¿Qué es un sintetizador?

Es difícil definir con precisión un sintetizador. El término se usa para referirse a instrumentos que emplean síntesis de sonido y pueden incluir expansores, moduladores, samplers, teclados portátiles, entre otros. Estos instrumentos tienen una característica en común: el sintetizador de hardware, que consiste en un teclado, un generador de sonido y un conector capaz de controlar y emitir sonidos.

Inicios del sintetizador

El nacimiento de los sonidos sintéticos se remonta a principios del siglo XX, cuando los fabricantes de instrumentos se dieron cuenta de que la electricidad podía ser una herramienta creativa extraordinaria.

Los primeros intentos de ampliar la gama de instrumentos acústicos comenzaron con el Theremin (1919), las Ondas Martenot (1928) y el Trautonium (1930). Estas primeras máquinas musicales mostraron una creciente atracción por la experimentación sonora. Posteriormente, el dominio de ciertas técnicas como la oscilación eléctrica y la reproducción de sonido a través de altavoces fue decisivo y permitió el desarrollo de los procesos eléctricos y electrónicos que todavía utilizamos en la actualidad.

Este control de sonido se llama «analógico», y se puede definir como el resultado de una oscilación eléctrica similar a la onda de sonido generada. Antes de la Segunda Guerra Mundial, se crearon instrumentos electromecánicos y electroacústicos. Si bien los primeros todavía se encontraban en una etapa experimental, al introducir en el instrumento dispositivos mecánicos cuyos componentes eran eléctricos, como el órgano de Hammond, los segundos, más tradicionales, como la guitarra, incorporaron tecnologías basadas en la amplificación eléctrica (el altavoz y el micrófono).

Estos instrumentos electromecánicos y electroacústicos, que fueron los primeros intentos de sintetizar instrumentos «tradicionales», permitieron la aparición del sintetizador. A principios de la década de 1950, la firma estadounidense RCA desarrolló un primer sintetizador experimental creado por Harry Olson y Herbert Belar, capaz de crear sonidos de manera artificial.

Al mismo tiempo, Max Matthews, ingeniero de Bell Telephone, inventó la síntesis digital (los sonidos se crean a partir de señales digitales). El nacimiento de los primeros instrumentos generadores de sonido transformó la relación del hombre con la máquina. Los recursos necesarios para la composición de música electrónica tomaron forma rápidamente, primero en la música clásica y la música de cine, antes de ser explotados comercialmente en diversas corrientes de la música contemporánea (rock, pop, jazz, etc.).

La llegada de silicio

A principios de la década de 1960, la llegada del transistor y la miniaturización marcaron un punto de inflexión en la historia del sintetizador. El transistor dio origen al sintetizador moderno. Durante esta década, la disminución (relativa) en el precio de producción de algunas maquinarias impulsó su difusión a escala global.

En 1964 se desarrollaron simultáneamente dos modelos esenciales que combinaban funciones de tratamiento y síntesis de sonido. El primer modelo, llamado Synket, fue creado por el ingeniero Paolo Ketoff. Este pionero integró elementos fundamentales que se repetirían en la mayoría de los sintetizadores posteriores. Transistorizado, el Synket incluía varios osciladores, filtros que afectaban los timbres y un sistema de modulación de frecuencia.

El segundo modelo era un instrumento con teclado, compuesto de módulos independientes y controlados por voltaje. Este modelo fue desarrollado por un ingeniero cuyos diseños generarían gran repercusión: Robert Moog. Al mismo tiempo, otro estadounidense, Donald Buchla, también tuvo la idea de utilizar módulos interconectables.

En 1969, el famoso sintetizador VCS-3 desarrollado por la firma británica EMS ofreció por primera vez módulos no separados, diseñados en un solo bloque transportable. Esto marcó el comienzo de los modelos con módulos precableados, utilizando pequeños enchufes que se insertaban en una matriz que conectaba los distintos módulos.

Este sintetizador brindó enormes posibilidades para la creación sonora. Un poco más de diez años fueron suficientes para pasar de los pesados y voluminosos prototipos de laboratorio a instalaciones que producían instrumentos transportables a escala industrial. Las marcas aparecieron primero en los Estados Unidos, luego en Japón, ofreciendo dispositivos cada vez más potentes y fáciles de usar.

Los sintetizadores pronto se convirtieron en bienes de consumo, con un auge en el marketing. Los primeros diseñadores del sintetizador fueron rápidamente marginados en beneficio de las principales marcas. Inicialmente, el sonido de un sintetizador era perfectamente reconocible en la producción de discos musicales, pero poco a poco, gracias a las sucesivas innovaciones tecnológicas, los sonidos fueron refinados hasta alcanzar un realismo tal que hoy en día es difícil distinguir la diferencia entre un sonido acústico natural y su reproducción por medios puramente artificiales.

Sin embargo, no debemos olvidar que el papel esencial de un sintetizador no es imitar, sino explorar nuevos espacios sonoros, aprehender otra forma de escuchar y crear, en estrecha colaboración con la composición e interpretación de técnicas.

En la década de 1960 y 1970, el sintetizador se utilizaba en la mayoría de los casos para satisfacer una moda frente a una orquestación de estilo clásico, o para apoyar la voluntad de emancipación creativa de algunos músicos jóvenes. Además, cuando el sintetizador pudo expresar cierta musicalidad, algunos músicos talentosos y aventureros construyeron su carrera artística, ganando un público cada vez más amplio en torno a este instrumento.

Mientras que en Francia el músico Jean-Michel Jarre popularizó el sintetizador a mediados de la década de 1970, otros artistas internacionales también contribuyeron a su difusión global, como Vangelis Papathanassiou y Klaus Schulze. Con su democratización, el sintetizador comenzó a modificar las prácticas musicales. Los músicos autodidactas encontraron satisfacción sin necesidad de tomar lecciones de música.

Además, con el advenimiento de MIDI, el intercambio entre músicos se facilitó (midifiles, bancos de sonido) y los nuevos desarrollos tecnológicos del sintetizador permitieron a algunos compositores probar sus composiciones y arreglos en casa, simplificando así su trabajo de armonización u orquestación.

En los años 70 y 80, se distinguieron dos grandes corrientes: los sintetizadores basados en la síntesis y programación de sonidos, como el Synclavier, y aquellos cuyo equipo provenía de órganos electrónicos, como el sintetizador Moog.

El estándar MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales)

El MIDI es un protocolo de comunicación y formato de archivo dedicado a la música, utilizado para la comunicación entre instrumentos electrónicos, controladores, secuenciadores y software de música.

Apareció en la década de 1980 como resultado del deseo de la industria de estandarizar los intercambios entre diferentes instrumentos, y se ha convertido en un estándar ampliamente utilizado en equipos de música electrónica.

A principios de los 80, todos los fabricantes adoptaron el estándar MIDI. Este revolucionario estándar internacional permitió la conexión de dispositivos electrónicos de diferentes marcas y facilitó su comunicación entre sí. Transcribe mensajes digitales en señales de sonido y permite programar diferentes «efectos», como velocidad, volumen, reverberación, retardo, entre otros.

Este estándar respondió al deseo de codificar los principales efectos musicales y las funciones de control resultantes. Con la llegada de la microcomputadora, el software musical encontró en el estándar MIDI toda su justificación. Para que la información fluya, la computadora debe estar equipada con una interfaz que permita que el software transcodifique su idioma en señales MIDI.

Por ejemplo, al utilizar software de secuenciación como Cubase o Cakewalk, MIDI permite que la información se sincronice y circule entre la computadora y uno o más sintetizadores. El papel de la interfaz es comprender tanto el lenguaje MIDI como el de la computadora. La interfaz se conecta a la toma USB o a un zócalo específico para este fin en la computadora.

Hay tres conectores de interfaz MIDI: In, Out y Thru. Un cable DIN de cinco pines conecta la computadora al instrumento musical y puede recibir o transmitir datos en ambas direcciones. Un cambio importante ocurrió en 1982 con el lanzamiento del primer sintetizador digital de Yamaha, que utilizaba un sistema de síntesis de sonido mediante FM y algoritmos, el DX7. Su gran éxito marcó el fin de la era de los sintetizadores analógicos.

En comparación con otros sintetizadores de la época, el DX7 permitía obtener sonidos con una textura más rica con menos manipulación. Se ganó en compacidad y portabilidad. Pero, sobre todo, sus sonidos digitalizados eran mucho más estables que los producidos por una tensión de voltaje (sintetizador analógico), que era sensible a la humedad y al calor.

El mundo de la música sintética evolucionó a una velocidad prodigiosa y cada año trajo sus novedades. A mediados de la década de 1980, además del advenimiento de los samplers, surgieron los primeros sintetizadores pre-muestreados, como el K-2000 de Kurzweil y el D-50 de Roland.

Luego llegaron las workstations, que integraban secuenciadores, reverberaciones y diferentes efectos, como el M1 de Korg y el SY85 de Yamaha. Ampliaron el principio de los acompañamientos automáticos que estaban presentes en los órganos electrónicos de la década de 1970. En los años 1990, una nueva generación de instrumentos, los sintetizadores arreglistas, combinaban la calidad de las muestras (calidad CD) con las oportunidades técnicas relacionadas con la música por computadora, arreglos e improvisación «inteligente».

Paralelamente a esta evolución, el rápido desarrollo de la computadora y los medios de almacenamiento en disquetes o discos duros permitieron a los músicos trabajar cómodamente en su computadora, componiendo y arreglando sus piezas. Fue el nacimiento de la Música Asistida por Computadora (MAO). Durante la década de 1990, la explosión de la música virtual y el desarrollo de software de edición y procesamiento de sonido avanzaron a un ritmo vertiginoso.

La composición y los arreglos ahora estaban al alcance de músicos sin recursos significativos, y el estudio ya no era el único lugar para la creación de música electrónica. A principios de 1994, Yamaha introdujo una nueva tecnología: la síntesis de modelado físico, donde los sonidos se calculaban dinámicamente según su altura. Los procesadores debían ser cada vez más potentes para enfrentar operaciones informáticas extremadamente complejas.

Por ejemplo, en el caso del VL-1, el software debía poder apreciar exactamente cuál sería el comportamiento del sonido en el instrumento real, dependiendo del tono y la potencia de la nota reproducida. Debía analizar la evolución de las diferentes ondas de sonido en cada parte del instrumento que se reproduciría, ¡hasta el ruido mecánico! Además de los procesos de síntesis de modelado físico, la década de 1990 vio el regreso de la síntesis analógica.

Los sintetizadores analógicos de antaño son cada vez más buscados, tanto por la nueva generación de músicos como por los coleccionistas. Aparecen nuevos instrumentos de sonido analógico con las últimas mejoras digitales. Frente a esta tendencia, el mercado de tarjetas de sonido para sintetizadores analógicos está creciendo, al igual que el de los CD o CD-ROM para el muestreo de sonidos analógicos.

Con la ayuda de la microcomputación, los sintetizadores están comenzando a desmaterializarse gradualmente con la llegada del software que ofrece emulaciones de dispositivos. Las computadoras y los sintetizadores se están combinando poco a poco en una sola herramienta versátil para ofrecer al músico una amplia paleta instrumental.

Si bien los instrumentos virtuales ofrecen nuevas características, pueden ser una buena manera de imitar un sonido, aunque son más difíciles de operar para conseguir el mismo resultado de manera intuitiva y con el mismo control que un sintetizador analógico real.

En un futuro no muy lejano, es probable que los sintetizadores se acerquen cada vez más a los instrumentos que intentan reproducir, permitiendo a los músicos que buscan nuevas experiencias sonoras crear sonidos originales.

El teclado musical

Los teclados son instrumentos digitales versátiles que ofrecen una amplia gama de funciones de modulación y acompañamiento. El sonido se genera de manera digital y se transmite a través de los parlantes incorporados o los auriculares.

La caja y las llaves están fabricadas con plástico sólido, mientras que algunos elementos de control pueden ser de otros materiales. Por lo general, el instrumento tiene entre 61 y 76 teclas, con un ancho que corresponde al estándar del piano.

La calidad

Accesorios relacionados

Muchos compran un piano digital convencidos de encontrar todo lo que necesitan en el embalaje del mismo. Luego reciben el paquete del correo y se encuentran tocando en un taburete, con el piano colocado entre dos sillas, en la cama o en la mesa. Todas estas posiciones implican posturas literalmente incómodas para los intérpretes. Un taburete y un soporte para el piano digital son lo correcto.

Muchas tiendas y sitios ofrecen soluciones «todo en uno», proporcionando todo lo que necesita a precios muy convenientes para resolver este tipo de problema, incluso agregando el pedal de sostenimiento. Este último es un elemento muy importante de incluir para mejorar la experiencia con el instrumento. Al presionarlo con el pie, se puede mantener la nota (o notas) reproducidas.

VENTAJAS:

• Número de teclas, con teclas pesadas y un toque dinámico como un auténtico piano de cola.
• Sonido grabado del piano de cola de gran concierto, ofreciendo una calidad digital de sonoridad incomparable, nota a nota.
• El volumen y el timbre del sonido cambian naturalmente con los matices interpretativos del pianista.
• Control de volumen, así como la posibilidad de reproducir a través de auriculares y grabar.
• Variedad de sonidos y ritmos disponibles.
• Sin discrepancias ni tarifas adicionales que se proporcionarán más adelante.
• Fácilmente transportables, ya sea solos o en parejas, ocupando poco espacio.
• Equipados con puertos USB, MIDI, y entrada y salida de audio.

¿Grand piano o piano digital?

¿Qué podemos concluir del piano digital?

Sin duda, los instrumentos acústicos tienen un lugar especial en el corazón de músicos, intérpretes y críticos musicales en todo el mundo. Sin embargo, esto no significa que los instrumentos digitales queden excluidos de su selección.

Los instrumentos digitales llegaron al mundo musical con la intención de complementar a los instrumentos acústicos, ofreciendo una gama más amplia de facilidades y opciones para quienes los ejecutan. Aunque hay excepciones, como el órgano y algunos teclados o sintetizadores que se utilizan en apoyo de la ejecución principal, no como instrumentos principales en sí mismos.

Aunque los instrumentos digitales no han logrado reemplazar completamente a sus contrapartes acústicas, han contribuido a la producción de música en nuevos géneros y han dado lugar a nuevas tendencias y artistas. También han ampliado el acceso a la música para aquellos con limitaciones económicas, en comparación con épocas anteriores.

Por lo tanto, siempre es recomendable considerar los instrumentos digitales como una opción tanto para la práctica como para la ejecución. Sus avances tecnológicos equilibran la balanza en términos de prestaciones frente a la calidad de sonido y realismo de las notas.